Sukiya

Tive o privilégio de estar presente na inauguração do Sukiya há uns dias atrás. O Sukiya é um bar, um restaurante, uma casa de chá, um espaço gourmet, uma enoteca, uma livraria e um local para relaxar. Propriedade da administração da primeira encarnação do saudoso bar Até ao Fim, no Parque das Nações, não possui a exiguidade e o negrume deste espaço, distinguindo-se desde logo pela abertura das áreas e pela claridade pungente. A música que passa continua a ser de qualidade acima da média, tal como a do extinto bar alfacinha. Provar excelentes vinhos do Douro ao som de Leonard Cohen ou Robert Wyatt só nos aproxima mais do sublime...

A decoração eminentemente nipónica, cruzada com uma arquitectura moderna, mas reminiscente do estilo bauhaus, tornam os dois andares do Sukiya um local acolhedoramente abstracto, despojado sem ser frio, austero e zen em simultâneo. Encontramos ecos dispersos de fusuma na sala do restaurante, bem como de shoji no piso inferior, onde um agradável e fresco espaço verde, ladeado de bambus convida a tardes de tertúlia, leitura ou simplesmente a ouvir o vento.

A visitar e explorar, quer pela magnífica ousadia estética do espaço, quer pela simpatia e bom gosto dos anfitriões, na Rua de Vasques de Mesquita - Porto, ou, sem aviso prévio, em http://sukiya.com.pt/.

Lusofonia II

O álbum 10000 Anos Depois Entre Vénus e Marte de José Cid foi já considerado um dos 100 melhores discos de rock progressivo. O que, justiça seja feita, é legítimo. Após o final do lendário Quarteto 1111 e dos ultrapassados Green Windows, José Cid aventurou-se a solo. O seu primeiro lançamento foi o single Vida (Sons do Quotidiano) de 1977, tema vincadamente assombrado pelos fantasmas do rock sinfónico, mas foi no seu primeiro álbum que Cid assinou uma das obras mais geniais não só do sub-género progressivo, mas de toda a música popular criada em solo lusitano. Interpretado por músicos em absoluto estado de graça, este álbum pode e deve ser colocado ao lado de trabalhos dos Pink Floyd, Eloy, ou da primeira fase dos King Crimson. Apesar da temática vincadamente associada aos clichés deste género musical (o fascínio pelo espaço, a Terra em vertigem apocalíptica e a ficção científica derivada de Arthur C. Clarke ou Ray Bradbury), este disco atravessou incólume as fronteiras do tempo desde o seu lançamento em 1978. A música é verdadeiramente intemporal, complexa sem ser excessiva e alcança, a espaços, uma beleza sublime e sofisticada, que convida a repetidas audições. No Portugal atrasado de fins de 70, quase ninguém ouviu, e quem ouviu não apreciou. José Cid dedicou-se ao que dá dinheiro e os portugueses perderam canções como Fuga para o Espaço ou Mellotron, o Planeta Fantástico, e ganharam aberrações como Portuguesa Bonita ou Amar Como Jesus Amou. Este país tem o que merece, indubitavelmente...

Lusofonia

Lucretia Divina, 1992. Banda de Viseu, para muitos já esquecida, com apenas um álbum na sua curta história. Mal d' Honor, lançado no ano em epígrafe, continha o single Maria. Tema bizarro e arrojado, lembra-me o que aconteceria se Scott Walker aprendesse esta noite um português rudimentar, bebesse 3 garrafas de tinto do Dão e em seguida improvisasse por cima de uma caixa de ritmos, enquanto um organista ia tecendo uma malha melódica, de absurda e decadente melancolia. Valsa tresloucada, primeiro estranha-se, depois entranha-se...

Música Real

John Cage é uma das figuras incontornáveis da música do século XX. Compositor revolucionário, parece sempre ter associado a excentricidade a uma enorme lucidez na sua particular apreensão do mundo. Do experimentalismo sonoro das suas Sonatas and Interludes for Prepared Piano, passando pelas explorações da voz em Roaratorio ou Empty Words e de obras onde a electrónica é soberana, Cage esteve sempre na vanguarda da música dita contemporânea. Ao introduzir no seu estilo composicional factores como o acaso e a aleatoriedade, abriu caminho para novas formas de experimentar sonoridades e subverter as leis da lógica e estrutura musical. Composições sem princípio nem fim, sem duração definida, variáveis consoante o contexto em que são apresentadas e consoante quem as interpreta, repetições contínuas da mesma nota, a mesma nota mantida até se perder a noção do tempo... Tudo isto é Cage, tudo isto influenciou mestres como Brian Eno e as suas Oblique Strategies, Klaus Schulze e John Cale e o seu círculo The Dream Syndicate (também conhecido por Theatre Of Eternal Music, onde militava o igualmente superlativo La Monte Young...).

Podemos afirmar que, para Cage, tudo era musical, até mesmo o silêncio. Talvez por isso a sua obra mais emblemática sejam 4'33'' minutos de puro silêncio. Tendo em conta que as reacções a tal peça variam entre o desnorte, o riso e a aversão, esta será certamente a única "composição" onde o momento irrepetível da interpretação absorve tudo e em que o "ouvinte" projecta totalmente o que quer ouvir. E o que ouve é a realidade.

...Halber Maschine

Do delírio libertador kraut à estética formal mas visualmente avassaladora, o legado dos Kraftwerk não deixa de deslumbrar. O agrupamento continuará, certamente. O futuro de Florian Schneider deverá passar por projectos a solo. Esperemos que surpreenda...

Halber Mensch...

Ao abandonar os Kraftwerk, Florian Schneider põe termo a 40 anos de colaboração com a mais grandiosa e influente de todas as bandas electrónicas. A aventura começou em 1969, no colectivo Organisation, cujo único álbum, Tone Float, assemelha-se mais a um conjunto de mantras krautrock improvisados e não indicia o que os Kraftwerk viriam a fazer nos anos 70, em obras seminais como Autobahn ou Trans-Europe Express. A meticulosidade das melodias, fáceis de ouvir, mas ao mesmo tempo tão austeras nas formas e na frieza e o ritmo mecânico e cibernético, pleno de disciplina germânica, mas igualmente dançável, constituem o centro nevrálgico desta banda futurista mas intemporal. Em conjunto com Ralf Hutter, Florian Schneider foi o grande cabecilha destes inventivos teutónicos. Techno, trance e electro são estilos musicais que não existiriam sem eles. Para relembrar um trajecto de génio, nada como penetrar nas brumas do tempo. Rückzuck, tema aqui apresentado pelos Organisation, viria a ser a primeira faixa do primeiro álbum dos Kraftwerk. Schneider está na flauta, mas provavelmente o expansivo percurssionista será o showstopper...

Poema para S. IV

Se ao menos o tempo voltasse
A todo o tempo que perdi
Em que não te conhecendo
Pouco ou nada conheci
Talvez esse tempo esquivo
Me deixasse cobrir-te de rosas
Antes que a Terra girasse
Trazendo as trevas de volta
E eu de ti me afastasse
Sem nunca poder ficar.

Se ao menos o tempo parasse
No raiar do teu sorriso
E todos os dias nascessem
Na aurora do teu olhar
Podia viver exilado
Numa carícia distante
Só para te poder contemplar
Pois vejo o mundo nos teus olhos
Tal como vejo os teus olhos
Em qualquer parte do mundo.

Se ao menos o tempo voasse
Até à hora da minha morte
E já não me encontrasse neste corpo
Dorido pela sorte
De não poder tocar o teu
A minha alma negaria o paraíso
E fugiria do inferno
Para viver eternamente no teu puro coração
Que sem saberes seria meu...

Do You Remember The First Time?

Sinto saudades dos Pulp. Na guerra acéfala travada nos tablóides ingleses entre Oasis e Blur nos anos 90, foram eles os vencedores. À margem da lad culture atestada via cerveja e futebol, o seu cinismo eloquente converteu-os, sem dúvida, na melhor e mais inteligente banda pop britânica dessa década. Resta actualmente Jarvis Cocker para nos oferecer ainda obras plenas de fleuma e humor tipicamente britânicos como esta, extraída de Jarvis, o seu primeiro disco a solo. Boa canção, magnífico vídeo...

Sir Mick

Gostava de estalar os dedos e ficar com a (boa ?) disposição de Mick Jagger e seus co-conspiradores neste clip, tema de Some Girls, um dos últimos grandes álbuns dos Stones... Sem substâncias... E só porque é sexta-feira...

Molduras Musicais

Persistent Repetition Of Phrases do britânico James Kirby a.k.a. The Caretaker é um devaneio musical fascinante. Escutar este álbum onírico e hipnótico é como olhar uma velha fotografia amarelecida pelo tempo e vê-la arder lentamente; é como assistir a um romântico film noir dos anos 40 e ficar preso infinitamente numa das cenas. O tempo não passa por aqui, quanto muito arrasta-se pelo passado numa espiral circular e contínua. O som de velhos discos de vinil, acompanhados do devido scratch, sobrepõe-se e contrapõe-se, sucessivamente, criando uma atmosfera minimal e emocionalmente surrealista. As melodias, jazzísticas, kitsch, ou somente etéreas, mas sempre contidas, impõem-se suave e repetidamente, transportando-nos numa vaga lenta e involuntária para nostalgias e memórias. Apetece olhar o mar num dia cinzento, abrir um baú cheio de recordações antigas ou beijar Ingrid Bergman com os lábios de Humphrey Bogart. Mais que música, este album cria ambiências e evocações, molda o passado com um barro futurista. Materializações do trecho que há muito tempo escutámos e do qual só retemos uma parte, que fazemos ecoar na nossa mente até empalidecer. Estas molduras sonoras são balsâmicas e penetrantes, mas parecem ao mesmo tempo tão longínquas que é impossível alcançá-las.

Suave Gelo

Romantismo negro. Gótico e exacerbado. A austeridade vitoriana do piano e a poesia sepulcral. Como se Byron e as irmãs Brontë decidissem trocar correspondência além-túmulo. David Tibet, mentor dos Current 93, assina em Soft Black Stars uma obra tão bela quanto niilista, tão doce quanto desencantada.
As musas que assombram estas declamações / ruminações não são belas, muito menos luminescentes. O piano apenas acentua a solidão e o vazio. Esta música não oferece quase nada. Somente a saída de um quarto fantasmagórico e cheio de teias de aranha em direcção à noite. Uma noite fria, escura, de ruas desertas, que apenas acentuam a conclusão de que nascemos sós e assim perecemos. A nostalgia da infância perante a certeza da morte. O abandono de Deus. A procura do amor eterno, apesar de efémero. O pesadelo que nos acorda de madrugada. David Tibet continua a lembrar-nos de tudo o que fazemos os possíveis por esquecer e Soft Black Stars é um contínuo poema bruxuleante, um espelho de medos e fantasias arcaicas que nunca nos abandonaram.

A Pint of Existencialism

Nos últimos dias, esta canção tem-me perseguido por toda a parte. Não sei se o que me assombra é a melodia agridoce a la Burt Bacharach ou o fantasma da primeira fase de Scott Walker que povoa o tema... Certo é que os Last Shadow Puppets, duo formado pelos quase imberbes Alex Turner dos Arctic Monkeys e Miles Kane dos Rascals, intencionalmente ou não, importam uma atmosfera existencialista típica dos anos 60 europeus para o século XXI. Apesar das óbvias influências e do cariz assumidamente retro do primeiro álbum do duo, The Age Of Understatement, as composições reflectem uma urgência e uma certa angústia latente. Como se a swinging London se fundisse ao punk; como se o estilo e o glamour dos sixties pudessem mascarar o negrume dos tempos actuais. Esta música assenta tão bem como banda sonora de alienação urbana e de frustração juvenil, como numa cocktail party. Trata-se de uma bela nota de rodapé, um disco que será visto como mera curiosidade daqui a muito tempo, mas cuja improbabilidade de influências e bizarria grandiosa da música, o transformam numa novidade fora de moda.