Clockwork Pop

Regressar ao advento da pop electrónica continua ser o regresso ao futuro. Ao futuro que nunca existiu e que residiu no imaginário de sonhadores sintetizados. O consistente documentário Synth Britannia, com a habitual chancela de qualidade da BBC, conta a história de um período agora relegado para o nicho das memórias, mas por onde passaram todos os que nasceram nos anos 70. Foi a génese da música industrial pelas mãos dos Cabaret Voltaire ou Throbbing Gristle. E a ponte para a electrónica moderna através dos Human League, Depeche Mode ou New Order. O dano colateral seriam os neo-românticos,  mas a dose de infiltração tocou a todos. E se eles transformaram a electrónica totalitária dos Kraftwerk em glamour robótico e vídeos glossy, servem agora de inspiração não pela música, mas pelo que sonharam. Quem nunca pecou que atire a primeira pedra...

 

O Canterbury

Pode ser apenas uma cidade (bem bonita, por sinal) do sudeste britânico, mas reuniu em tempos (involuntariamente ou não) uma certa vanguarda musical que ainda hoje predispõe bem. Ficarão para a eternidade associados a Canterbury nomes como os Soft Machine, Caravan, Gong ou Hatfield and The North. Outros, como os Matching Mole, foram pontos de paragem na viagem por esta suculenta sonoridade. A sua vida foi curta, mas selou um clássico do rock progressivo dos anos 70 em Inglaterra.
Acabado de editar o seu primeiro álbum a solo, o exploratório End of an Ear, e ainda a despertar do sonho diurno que foi a primeira encarnação dos Soft Machine, Robert Wyatt acolheu no seu regaço três membros da nata das natas do tal som de Canterbury. Eram eles o teclista David Sinclair (dos Caravan), o guitarrista Phil Miller (dos Delivery) e um excelente músico de estúdio chamado Bill MacCormick, especializado no baixo. Wyatt, como sempre, tomou conta da bateria e emprestou o timbre único da sua voz.  O nome do projecto, que foi igualmente o título do seu primeiro álbum, era uma variação estilística das palavras Machine Molle, a tradução para francês de Soft Machine.
1972 foi o ano da estreia. Uma estreia auspiciosa, que floriu como uma rosa, mas que logo murchou. O quarteto toca com ganas, interage por instinto, comunica por osmose. Os recursos estilísticos são típicos dos arquétipos de Canterbury: Elasticidade interpretativa, inventividade rock, criatividade jazz e a mescla única de melodia e complexidade para o topping de um disco belo e bizarro.
Quem resiste a O Caroline resiste a tudo. E não tem alma. De todas as sublimes criações com o cunho de Robert Wyatt, esta é uma das mais admiráveis. Uma canção de amor e de perda, inusitadamente luminosa, como se o objecto de desejo continuasse a viver em nós depois de ter partido e o elo de ligação persistisse. Provavelmente teríamos um fabuloso compêndio de canções de amor light se o álbum prosseguisse nesta toada, mas não estava na mente desta gente dar descanso ao ouvinte. Instant Pussy instala-se, com felino langor e o embalo oceânico da voz de Wyatt. Abre a porta para o magnífico Signed Curtain, canção com cabeça, tronco e membros, mas em que todos trocaram de posição. A letra é surreal, a música um rebuçado.
Part of the Dance tira-nos em definitivo da zona de conforto, presenteando uma longa jam de jazz e rock entrelaçados pelos cabelos. A expedição adensa-se em Dedicated to Hugh, But You Weren't Listening . Beer as in Braindeer, cuja progressão aventureira apenas encontra descanso na clareira rock com coda sibilante de Instant Kitten. Entre a aridez e a melancolia, o mellotron de Immediate Curtain encerra o pano.
O fugaz agrupamento editaria no mesmo ano mais um disco antes da dissolução: Matching Mole's Little Red Record, uma espécie de sucedâneo do primeiro registo, largamente instrumental, bom companheiro, mas nunca arrebatador. Meses depois, Robert Wyatt sofreria um acidente que acabaria com a sua vida enquanto baterista. Os Matching Mole arderam de uma vez, mas o infortúnio deu ao mundo um dos mais geniais e peculiares escritores de canções dos últimos 40 anos.

Bruxa Boa

Em 1979, Marianne Faithfull era um anjo caído nos Infernos. Uma diva esfarrapada, imersa em drogas e álcool, a viver num pardieiro londrino sem água quente nem luz eléctrica. Longe iam os tempos do diáfano rosto de menina que cantava As Tears Go By e ostentava Mick Jagger como namorado. Presa nas malhas dos excessos, vagueando de homem para homem (ou de Rolling Stone para Rolling Stone...), Marianne tropeçou e caiu num poço negro e sem fundo. A premente influência sobre Jagger & Richards empalideceu com o passar do tempo e os glamourosos anos 60 deram lugar a uma lúgubre década de 70. Por entre tentativas de suicídio, a crescente espiral do vício e a excomunhão pelo Vaticano, a cantora londrina morreu como fada e ressuscitou como bruxa.

Foi neste cenário decadente que surgiu Broken English. Após medianas incursões pela folk e a country, surge esta curva perigosa e acentuada pelos caminhos do punk e da explosão da New Wave.
Broken English é uma lavagem de roupa suja e uma lavagem da alma. Intenso e cortante, não permite que ninguém saia ileso das suas crónicas dolorosas e amargas. Os efeitos nefastos da religião dão visados no elegíaco Guilt, enquanto que Witches' Song remete de imediato para a sua condenação pela Igreja como bruxa. O eterno presente do drogado reflecte-se em What's The Hurry? e o disco punk sombrio do magnífico tema-título inspira-se no terrorismo.
Marianne Faithfull participou apenas em três das composições do disco, todas elas com a parceria do guitarrista Barry Reynolds. A aposta nas versões é extremamente bem-sucedida em Working Class Hero, de John Lennon, e The Ballad of Lucy Jordan, de Shel Silverstein. A primeira é um gélido retrato da classe trabalhadora, quase gótico na sua austeridade. E, por falar em austeridade, nada como ouvi-lo enquanto se lê o recente acordo de Concertação Social. A segunda bifurca-se numa história que tanto pode ser a de uma dona de casa desesperada como a de uma louca suicida. Banha-se em electrónica etérea e esparsa. Why d'Ya Do It? leva ao extremo o clima desencantado do álbum. Relato de traição, é o espelho límpido da Marianne endemoniada, cuspindo bílis e rimas vernáculas com uma voz de corvo que outrora foi rouxinol. É a voz de uma mulher num mundo despido de qualquer romantismo. E a desgraça dela foi, uma vez mais, o nosso folguedo...

Kosmische Kosmetik XXXI

Uma história do Homem, da sua evolução e crescimento tecnológico. Eis o conceito de Planet of Man, o único legado deixado pelo projecto Code III. O objectivo é ambicioso, mas nada despropositado para a Alemanha de 1974. Klaus Schulze é o nome que sobressai nesta obra, mas foi o recatado Manfred Schunke, um animal de estúdio, o seu verdadeiro arquitecto.

Para levar a cabo este empreendimento, Schunke congregou, para além de Schulze no papel menos convencional de baterista, três amigos que se incumbiram das vozes e de ministrar os mais variados instrumentos. Da guitarra acústica à tambura indiana, passando pela omnipresente electrónica espacial, Planet of Man flui, elegíaco e cerrado, no seu próprio universo.
A narrativa sonora é sequencial e principia com Formations/The Genesis. A alegoria é perfeita, partindo de uma amálgama de electrónica cósmica e caótica, lentamente ordenada, ciclicamente depurada. Estranhas vozes ecoam e o espaço sem vida cede aos sons de uma natureza edénica e incorrupta. Ouvem-se pássaros, o mar, e uma guitarra entra de mansinho. Flauta e voz harmonizam-se depois para criar um todo envolvente e ensopado em psicadelismo folk. Segue-se Dawn of an Era, de paladar menos doce após o idílio que a precedeu e assente num tribalismo primário e denso. É notório o retrato das primeiras civilizações, talhado com rudeza, batuques com arritmia e cantos ritualísticos. Transparece uma aura de comunicação elementar com o sagrado.
O álbum termina com outra dupla: Countdown/Phoenix Rising. Somos recebidos por uma raga, hipnótica, conjugada a vozes que entram e saem sucessivamente, colocando a desordem sobre a serenidade. Uma mudança brusca e somos banhados numa espécie de dub cósmico, primeiro a meio-gás e depois acelerado. Uma voz feminina entoa palavras ininteligíveis, uma voz masculina esmaga-a sem aviso. O que se ouve nestes minutos é indecifrável e quase indescritível. Chamemos-lhe apenas fabuloso. Se pretende ser o som de uma sociedade à beira do desmoronamento, consegue-o brilhantemente.
Outra clivagem súbita e o disco mergulha num silêncio escuro. As vozes que antes se ouviam com limpidez, surgem agora lamacentas, imersas num pântano sonoro. Aos poucos, vislumbra-se um despertar electrónico, um coração que bate frouxamente. E o disco termina com a simbólica fénix, majestosamente erguida, como o final de uma ópera cósmica.
Depois deste monumento, o nome Code III desvaneceu-se e Planet of Man singrou como disco de culto, um dos maiores marcos da kosmische musik mais aventureira e radical. É hoje considerado uma raridade, extremamente difícil de encontrar, mas imprescindível de possuir. Aos corajosos, recomendam-se headphones e ausência de luz para o ouvir.

Ageless

David Bowie entra hoje na terceira idade. Mas o que significa isso para alguém nunca teve idade, ou identidade, ou tempo? A sua ausência torna-o mais presente que nunca. O seu silêncio ecoa. Voltará para reinventar-se ou superar-se outra vez?... Cada um tem a sua fase preferida do Camaleão. Esta é a minha:

O Renegado

Se o rock'n'roll encarnasse num corpo, esse corpo seria o de Ian Fraser Kilmister. Conhecido pelas massas como Lemmy, o inglês é uma das maiores lendas vivas da música, parecendo ser sempiterno e imutável. Iniciou-se nas lides nos anos 60, década que assistiu à sua passagem por várias bandas, dos quase desconhecidos The Rockin' Vickers aos psicadélicos Sam Gopal, cujo único álbum editado - Escalator, de 1968 - ainda hoje merece umas boas audições. Pelo meio, foi ainda roadie de Jimi Hendrix e seus Experience.

O primeiro momento de projecção surge com o ingresso nos Hawkwind, os space rockers alucinados aos quais emprestou a voz e o seu peculiar estilo de tocar baixo. Despedido em 1975 após prisão por posse de drogas, Lemmy concebe o projecto que ainda hoje possui o dom de pôr várias gerações a fazer headbanging: os poderosos e inimitáveis Motörhead. Grupo normalmente associado ao heavy metal, não se esgota absolutamente neste rótulo. Os Motörhead são muito mais que isso e tocam uma franja muito mais abrangente: foram dos poucos colectivos que passaram intactos pela explosão do punk em Inglaterra, sendo mesmo idolatrados e emprestando elementos da sua imagem e estilo ao movimento. Os rockabillies adoram-nos. E qualquer melómano que se preze não pode deixar de admirar a sua garra, longevidade e influência. Lemmy tem 66 anos, mas não tem vontade de abrandar. Tem a raça, a mística e o eterno humor de alguém que nunca fez nada que o deixasse desconfortável ou infringisse a sua natureza. Há uns tempos foi o actor principal do seu próprio filme. Mr. Rock'n'Roll já o merecia e nós já o merecíamos.

2011: A Soundtrack

Os tempos estão a mudar. Por poucos motivos positivos. O mundo regurgita ecos de uma caixa de Pandora económica, que se entreabre a cada rotação sobre o seu eixo. Dentro ou fora de tempo, mais ou menos sensível ao filme da vida real, a música seguiu o seu próprio curso. Referências continuam a confortar-nos com a sua presença (Tom Waits, Kate Bush, Paul Simon), promessas já cumpridas vieram provocar-nos com ideias frescas (Bon Iver, James Blake, Destroyer). Outras promessas surgiram, com raízes no futuro ou liquidadas à partida... Mas foi a sombra de Polly Jean Harvey que se projectou mais alto, envolvendo o ano que se aproxima do fim como um regresso a escuros e góticos tempos vitorianos, a memórias em letargia acordadas pelo génio e mordacidade do seu talento. O quadro dos males do mundo foi pintado na sua Inglaterra, mas, como toda a arte destinada a ser grande, transcendeu essas fronteiras insulares. Sucedem-lhe os restantes discos de 2011 que continuarei a ouvir para lá de 2011...

1. PJ Harvey - Let England Shake

2. Bon Iver - Bon Iver

3. James Blake - James Blake

4. Tom Waits - Bad As Me

5. The Horrors - Skying

6. The Weeknd - House of Baloons

7. Girls - Father, Son, Holy Ghost

8. Oneohtrix Point Never - Replica

9. The War on Drugs - Slave Ambient

10. St. Vincent - Strange Mercy

11. The Antlers - Burst Apart

12. Shabazz Palaces - Black Up

13. Real Estate - Days

14. Jonathan Wilson - Gentle Spirit

15. tUnE-yArDs - w h o k i l l

16. Destroyer - Kaputt

17. Fleet Foxes - Helplessness Blues

18. Kurt Vile - Smoke Ring For My Halo

19. Paul Simon - So Beautiful Or So What

20. Kate Bush - 50 Words For Snow

21. Josh T. Pearson - Last Of The Country Gentlemen

22. James Ferraro - Far Side Virtual

23. Grouper - A I A (Alien Observer / Dream Loss)

24. Rustie - Glass Swords

25. Radiohead - The King Of Limbs

26. Tim Hecker - Ravedeath, 1972

27. Nicolas Jaar - Space Is Only Noise

28. Wild Beasts - Smother

29. Bill Callahan - Apocalypse

30. Anna Calvi - Anna Calvi

31. The Field - Looping State Of Mind

32. Balam Acab - Wander / Wonder

33. EMA - Past Life Martyred Saints

34. M83 - Hurry Up, We're Dreaming

35. Colin Stetson - New History Warfare Vol. 2: Judges

36. Panda Bear - Tomboy

37. Gang Gang Dance - Eye Contact

38. Björk - Biophilia

39. Thurston Moore - Demolished Thoughts

40. The Black Keys - El Camino

41. Battles - Gloss Drop

42. Drake - Take Care

43. White Denim - D

44. Raphael Saadiq - Stone Rollin'

45. Demdike Stare - Tryptich

46. Frank Ocean - Nostalgia, Ultra

47. Iceage - New Brigade

48. Arbouretum - The Gathering

49. Toro Y Moi - Underneath The Pine

50. Washed Out - Within and Without

Kosmische Kosmetik XXX

A maneira mais fácil de definir os dois grupos musicais surgidos da comuna artística Amon Düül é a seguinte: uns sabiam tocar, os outros não. Uns elevavam o activismo político e a total liberdade experimental, outros aprimoravam a técnica e a complexidade musical. Falo hoje dos segundos, conhecidos como Amon Düül II.

Os anos 60 aprimoravam radicalismos, políticos, artísticos, filosóficos. A comuna sediada na Alemanha Ocidental dava o exemplo, convindo lembrar que foi dela que surgiram as bases do famigerado grupo terrorista Rote Armee Fraktion, igualmente conhecido como Baader-Meinhof. Mas podemos separar o trigo do joio, pois os Amon Düül II eram gente de paz. Relativamente. Quem escutou a sua música e viu os seus espectáculos, notou certamente que o conceito de ordem passava por mergulhar no caos.
Iniciaram o seu trajecto discográfico em 1969, com uma obra-prima alucinada chamada Phallus Dei (literalmente, O Falo de Deus), uma das pedras basilares do krautrock. Ao segundo disco, Yeti, alcançaram o estatuto de lenda. As quatro partes que (de)compõem Soap Shop Rock precipitam-se sem alerta, como uma bátega psicadélica pronta a encharcar-nos até aos ossos. O som sujo e pouco polido do rock de garagem funde-se a vozes transviadas e divaga livremente. Um violino em marcação cerrada durante todo o tema sobrevem, magnânimo, no quarto andamento - Flesh-Coloured Anti-Aircraft Alarm - e a orgia sonora termina como começou.
She Came Through the Chimney levanta uma brisa folk, que acaba por evoluir para uma aragem de violino desvairado e órgão sem travões. O tremendo Archangels Thunderbird devolve-nos aos braços da electricidade. Cerberus volta a raptar-nos para paisagens campestres intoxicantes. Estas intermitências entre a calma e a tempestade perduram por todo o disco. O tal caos organizado que só faz sentido quando não parece fazer sentido nenhum... e em que a liberdade escoa sem limites nem imposições estéticas. The Return of Ruebezahl, o poderoso Eye-Shaking King e Pale Gallery sucedem-se numa rajada de tempo difícil de cronometrar, impossível de controlar. A fechar, uma trindade de longas improvisações: os esmagadores Yeti, Yeti Talks to Yogi e Sandoz in the Rain. Três odisseias sónicas que levaram rock e folk onde poucos se atreveram a ir. Três panaceias para almas que estejam a levar a vida demasiado a sério e necessitem de bloquear o pensamento para abrir os poros da mente à sensação, a algo escuro mas libertador.
A capa de Yeti merece, obrigatoriamente, referência. O ceifeiro de vidas (em alemão, der sensenmann) que a ilustra dava pelo nome de Wolfgang Krischke, técnico de som da banda que morreu de hipotermia sob os efeitos do LSD. Este episódio tenebroso ajuda a acentuar ainda mais a atmosfera negra e densa do álbum, ao mesmo tempo que a icónica fotografia perdurou ao longo dos anos como uma das imagens de marca, quer dos Amon Düül II, quer do próprio folclore krautrock. Que o diga Julian Cope, cuja obra de culto Krautrocksampler a ostenta na capa. Abominável somente no título, Yeti persiste como um ritual envolvente e louco, que nos tira de uma espécie de nada para nos levar a uma vaga ideia de tudo.

Kosmische Kosmetik XXIX

Dentro do Dream Syndicate, Tony Conrad expandiu as possibilidades da música até ao infinito. Ludibriando o tempo, o colectivo norte-americano caracterizou-se pela teoria e prática dos drones, recorrentes do minimalismo e das alquimias de John Cage, suspensos em horas imperceptíveis e minutos intermináveis. Igualmente conhecido como Theatre of Eternal Music, o projecto vanguardista editou várias obras de referência em que participaram, para além de Conrad, nomes maiores como John Cale, La Monte Young ou Angus MacLise. Os volumes que compõem a trilogia Inside the Dream Syndicate são hoje bíblias das aventuras musicais vividas em Nova York nos anos 60.

Fora do Dream Syndicate, o primeiro registo a solo (ou quase) de Tony Conrad surge somente em 1973. Apoiado pelos fracturantes Faust, grava com estes no rural retiro da banda em Wümme. E a contra-cultura da banda alemã cai que nem ginjas nas estratégias do americano.

Outside the Dream Syndicate é o ponto onde o drone minimal e o krautrock radical se encontram. From the Side of Man and Womankind parece começar já a meio, em tom funéreo, com uma processional batida motorik. A monotonia rítmica, meditativa - provável fonte de desconforto para tímpanos incautos - entranha-se aos poucos, revelando pequenas nuances e subtis mudanças de tom. A estrutura é semelhante à da música indiana, mas aqui a cítara dá lugar a violino, baixo, bateria e órgão ocasional. É música microtonal, que corre ao sabor de uma só nota por largos períodos, apenas para sofrer uma ligeira inflexão no seu curso sonoro. E a nossa mente resvala com ela, se nos abandonarmos ao sabor da corrente...
From the Side of the Machine é menos sonâmbula, mais circular, igualmente absorvente. Em vez de linhas rectas, baixo e bateria traçam elipses que se reabrem ao serem fechadas. Opressiva e libertadora em simultâneo, a progressão do tema propicia alucinoses, derivativas da linhagem psicadélica que educou os seus executantes. O tempo não passa como o tempo deveria passar dentro desta narcose musical. A esfera da realidade é permeável...
From the Side of Woman and Mankind encerra a primeira edição em CD de Outside the Dream Syndicate. Rondando, como os seus pares, a meia-hora de duração, trata-se do primeiro tema do disco reflectido ao espelho, de violino restringido. A segunda dose de minimalismo cósmico, servida em prato sem fundo.
A edição comemorativa do trigésimo aniversário do disco, posta na rua em 2003, acrescentou-lhe mais dois extras, fruto das mesmas sessões: The Pyre of Angus Lies in Kathmandu e The Death of the Composer Was in 1962. Ambos remetem para a elegia do compositor e amigo de Conrad, Angus MacLise. Drasticamente mais curtas na duração, variam igualmente na forma. A primeira propaga os drones indo-minimais do grosso do álbum; a segunda inclina-se para o avant rock, assemelhando-se a um concubinato nada descabido entre os Faust e os Velvet Underground.
Ostracizado e desvalorizado por alturas do seu lançamento original, Outside the Dream Syndicate recuperou actualmente o lugar merecido. Pela exploração do minimalismo no rock, por brincar com o fogo e não ter medo de arder, por estar muito à frente do seu tempo. Música de sonho fora do sindicato do sonho...

Back in Black

Godbluff assinala o regresso dos Van der Graaf Generator, após um hiato de quatro anos. O seu antecessor, o monstruoso Pawn Hearts, pôs ponto final à primeira fase da existência da banda britânica. A separação, amigável, levou o líder Peter Hammill a mergulhar a solo em águas mais profundas, resultando nalgumas das suas obras mais romanticamente escuras e sonicamente extremas. Os seus três colaboradores constantes editariam apenas um longa-duração durante este interregno - um disco totalmente instrumental, sereno e atmosférico, nos antípodas dos VdGG e sob o pseudónimo The Long Hello.

Juntos novamente em 1975, os anjos negros do rock progressivo evoluíram e convergiram para uma sonoridade mais densa e coesa, revelando um certo abandono pela complexidade técnica a favor de sólidas ambiências. Num renascimento ponderado e subtil a partir de despojos bombásticos e viscerais, os VdGG de Godbluff voltaram mais sombrios que nunca. Mas sempre incatalogáveis, sem cedências e sem precisarem de guitarras para serem electrizantes.
Desta vez, será a música a descrever-se a si própria. Um imortal concerto captado na Bélgica em 1975, guardou para a posteridade a interpretação integral dos quatro temas de Godbluff. Este será, igualmente, o documento definitivo para apreciar os ingleses no início da sua melhor e mais prolífica fase - no espaço de um ano editariam ainda a obra-prima Still Life e o mais abrasivo World Record. Que as luzes se apaguem e se dê início ao espectáculo...

Lusofonia VII

António Ferreira parece colocar-nos à vontade quando assina o seu primeiro álbum como Tózé Ferreira. Mas o que se ouve em Música de Baixa Fidelidade é uma quietude inquieta, densidade de sons que evocam uma melancolia negra, pós-industrial. O artista apresenta-se com um diminutivo, mas a sua criação é hiperbólica.

Datado de 1988, Música de Baixa Fidelidade mantém-se como um dos discos mais desconcertantes e fascinantes do panorama contemporâneo português. A sua concepção inicia-se na Holanda, onde Ferreira, então estudante de Sonologia, cria amizade com o texano Rodney Washka II. Dessa frutífera troca de ideias surgiriam as peças More Adult Music e This is Music, as it was Expected, exercícios computorizados que sustentam a récita de dois textos pelo americano. Na primeira, a abstracção sintética, esparsa e atonal funciona como prolongamento das palavras, uma narrativa circular tão surrealista como impenetrável. A segunda assemelha-se a uma pregação apocalíptica, que se arrasta, monocórdica, sobre um escuro e penetrante circuito sonoro, como se as palavras se esgotassem nas máquinas e estas acabassem por prevalecer.

As cinco composições restantes do disco são inteiramente instrumentais. A mão humana é praticamente imperceptível, dado que todas são o resultado de uma complexa equação de computadores, samplagem e sintetizadores. Música programada, em que o computador interage com o criador, ajudando-o no processo, artificialmente intuitivo. Evoca Robert Ashley e faz pensar num Morton Subotnick mais contido. Abraça elementos da musique concrète e projecta harmonias em regime matemático. O Verão Nasceu da Paixão de 1921 brota de processadores melancólicos, criando atmosferas de beleza rara, quase alieníngena. Algumas Pessoas Olharam para Sul e Viram o Deserto é feita de ecos e sopros puramente sintéticos. Máquinas com nervo, que parecem tocar-nos com a ponta dos seus terminais e mostrar-nos o vazio do ciberespaço. Um Som, Seguido de uma Cena Negra e Malva acrescenta um piano de contornos Cageianos e aproximações melódicas à electrónica experimental dominante, mas a frieza cerebral e a ambiência laboratorial nunca lhes cedem terreno.
A Força Silenciosa do Possível e Europa, Depois da Chuva não fizeram parte da edição original em vinil. Foram integradas na versão em CD lançada em 2003, aquela que realmente interessa ter. Apesar de possuírem a mesma genealogia, revelam-se mais ásperas e escuras, invasivas de desolação electroacústica. São o exemplo perfeito da baixa fidelidade e da sua estranheza soturna e desapegada.
Música de Baixa Fidelidade varia entre o estudo académico das possibilidades dos computadores como órgãos reprodutivos de música e o próprio acto de experimentar a criação. O seu eco ressoa pela electrónica periférica de muitos projectos actuais, quer dentro, quer fora de portas, mas não há amor como o primeiro e a paixão de António Ferreira revelou-se tão exploratória quanto assolapada.

Lusofonia VI

1977 foi o ano em que o punk destronou definitivamente o rock progressivo, criando uma nova ordem musical que relegou quaisquer lampejos sinfónicos para a obscuridade. Mas, se as tendências ditadas no Reino Unido declaravam que era melhor ser Pretty Vacant como os Sex Pistols que ouvir as Wonderous Stories dos Yes (e lá isso é verdade...), o burgo lusitano vivia por esta altura o seu idílio progressivo.

Editado nesse ano, Mistérios e Maravilhas dos Tantra é um dos grandes marcos do género em Portugal. Talvez a medalha de prata num pódio cujo lugar cimeiro é, indubitavelmente, ocupado por José Cid e o superlativo 1000 Anos Depois Entre Vénus e Marte. As semelhanças entre ambos começam logo pela história de vida (e de carreira artística) dos seus mentores. Se Cid enveredou pelo caminho que todos conhecemos e o bom gosto lamenta, o vocalista dos Tantra não fez a coisa por menos. Era ele Armando Gama, futura lenda da Eurovisão, futura voz das canções da série infantil Sport Billy e futuro autor (com a esposa Valentina Torres - os John Lennon e Yoko Ono nacionais) de um álbum intitulado Tu Tens Outra...

Voltando a falar de arte, o que se encontra no primeiro disco dos Tantra é música bem pensada, bem tocada e de inegável qualidade. Rock progressivo até à medula, puro e duro, sem fugir um milímetro aos clichés do estilo. E um regalo para os seus apreciadores. Épico, fantasista e imaginativo, Mistérios e Maravilhas não envergonha a nação perante obras dos Genesis ou dos Gentle Giant. Mas a sonoridade, sempre atenta aos aspectos melódicos e polvilhada de arabescos, inclina-se mais para Itália e para terras do Sul. À Beira do Fim é um enorme portal colorido a abrir o disco, pleno de variações de tempo e de ambiências contrastantes. Os quatro elementos dos Tantra revelam não ter medo de mostrar o que valem e atiram-se com unhas, dentes e arrojo a uma peça tão labiríntica quanto límpida. O igualmente teclista Armando Gama só se voltará a ouvir no último tema, o iluminado Partir Sempre, em que a conexão rigorosa e intensa baixo/bateria se deixa entrelaçar pela emotividade da voz e o calor da guitarra.

Se o guitarrista Manuel Cardoso carrega nos ombros um instrumento que parece, por vezes, possuir vida própria, a personalidade vincada de Mistérios e Maravilhas deve-se igualmente à inspiração do baterista Tó Zé Almeida, um mestre das baquetas que ajuda a levar o álbum para os meandros da fusão, atirando-se a um furor jazzístico extasiante em Máquina da Felicidade. Mérito igualmente para Américo Luis, que prova não ter feito figura de corpo presente, arrancando um poderoso e viperino riff no complexo e frenético tema-título. Dois curtos interlúdios (Aventuras de um Dragão num Aquário e Variações sobre uma Galáxia), à guitarra acústica e ao piano, refrescam o disco por entre a torrente abrasadora que o arrasta.

O primeiro álbum dos Tantra foi também o único construído por este exemplar quarteto. Pouco tempo depois da sua edição, Armando Gama saiu do grupo, que, entre o culto e o esquecimento, irrompeu em várias encarnações. Mistérios e Maravilhas continua a ser um dos discos mais marcantes da música portuguesa. Hoje soará um pouco datado, é certo, bem como fruto de um atraso atávico do qual Portugal sempre sofreu em relação a novas tendências externas. Mas há 35 anos revelava o brilho cegante da arte liberta da clausura da ditadura. Um documento histórico feito de idealismo musical.